An interview with Ângela Ferreira, the artist who collaborated on the project.

What does building an archive of disobedience mean today? How can art become a tool for memory, political action, and collective participation? These are the questions at the heart of “Disobedience Archive,” a project conceived in 2005 by curator and theorist Marco Scotini. It is currently on display at the Amélia de Mello Foundation Gallery at the Universidade Católica Portuguesa in Lisbon, presented in a new configuration developed in dialogue with Portuguese artist Ângela Ferreira.

The “Disobedience Archive” was founded as an audiovisual archive dedicated to the relationship between artistic practices and political movements. Over the course of twenty years, it has evolved into an international research platform that brings together over one hundred films, documents, and works from diverse geographical and cultural contexts. Each presentation offers a new critical interpretation that connects episodes of resistance, civil disobedience, and social transformation, rather than merely re-presenting existing material.

Open to the public through September 25, 2026, the Lisbon edition (titled The Agitational Billboard) presents a selection of eighteen films organized into two thematic clusters: Gender Disobedience and Insurgent Communities, and Colonialism. These films offer reflections on the diverse stories that have shaped the struggles for emancipation. With its nonlinear structure, the archive encourages visitors to create their own interpretive journey, rejecting a hierarchical view of history in favor of coexisting perspectives, timeframes, and narratives. Shaping this new chapter is Ângela Ferreira, one of the most influential figures in contemporary Portuguese art. For over three decades, she has explored the legacies of colonialism, processes of decolonization, the memory of modernist architecture, and the international circulation of political ideas in her work. Ferreira’s work blends sculpture, installation, historical research, and documentation. It challenges official narratives and sheds light on events that are often overlooked. For this occasion, she reimagines the spatial and visual organization of the exhibition, drawing inspiration from the tradition of agitprop posters. These posters were historically used by political movements as tools for disseminating information, mobilizing people, and providing collective education. Transformed into an exhibition device, this element becomes both architecture and symbol, serving as a medium to present counter-narratives and dissenting voices and offering new interpretations of the present.

To explore her contribution to the “Disobedience Archive” in greater depth and reflect on the role that art can play in constructing a critical memory of contemporary political struggles, I asked Ângela Ferreira a few questions on the occasion of the exhibition’s opening.

In this edition, you’ve focused on the spatial and visual organization of the archive. How does the concept of disobedience manifest in the exhibition space?

The concept of Disobedience is manifested in the choices I made in organizing the films and in the three-dimensional forms they take in space. As you know, these are referenced in an amazing series of agitprop structures designed by the Russian-Latvian Constructivist Gustav Klutsis (1895–1938). These structures were created somewhere between 1917 and 1922. I greatly admire Klutsis’s work, which consisted of procuring ways to disseminate and share information with the public using inventive and innovative sculptural forms. These were towers that presented opportunities to show larger films, posters, speaking stands, and magazine stands. In this case, I am referencing a very large structure that includes his original drawing. It would stand at least twice the size of the structure we made for our exhibition in Lisbon, and it didn’t contain films. They were basically a display for posters and newspaper pages. I adapted that idea into a more archival solution that allows the structure to shrink in size. This new design presents each of the little screens at sitting height, so viewers can individually look at different screens. The idea of Disobedience, if we need to go back to that, comes back to Klutsis, the Constructivists, and the incredible way in which they sought to develop forward-thinking, three-dimensional forms while retaining the qualities of what was then considered avant-garde art. Combining political meaning with challenging contemporary art preoccupies me as an artist. I try to develop a practice that doesn’t succumb to pamphleteering political ideas but combines strong communication with the tradition of contemporary art and political meaning. Disobedience is contained in that idea.

The project draws inspiration from agitational billboards. What interests you about this form of communication? What role does it play in the context of the exhibition?

Klutsis himself gave this particular proposal the title “Agitational Billboards,” and each of the films contained in Scotini’s incredible archive is, of course, about disobedience. Each one portrays a moment somewhere in the world where people have seen fit to document or express themselves around the concept of disobedience. Presenting political information on the streets, as Klutsis did, is a form of disobedience. The agitational billboard was a form of education and sharing information in the early days of the Soviet Union. This concept aligns with Scotini’s idea of an archive because each piece of information is a moment of agitation, either by provoking the experience of observing those moments or by stirring up a sense of disobedience in the public watching the films.

In an era marked by war, democratic crises, and emerging control mechanisms, what form of disobedience do you believe is most urgent for art to practice today?

I guess the idea of disobedience is about deliberately refusing to follow rules or instructions. It generally refers to a lack of compliance with things that one thinks are unfair or unjust, or that don’t align with one’s life ideals. One of the things I find most striking about the choice of the word “disobedience” in this project is that the concept of disobedience emerges very early in life. One often refers to a child or a dog as being disobedient. It’s a profound concept that is part of the human makeup. However, the human tendency is to simply analyze imposed structures and, almost intuitively, reject those rules, as a child would. I guess this is the most important factor in the relationship between the concept and art. Art is a form of communication, expression, and documentation of human thought that demonstrates our disagreement and unwillingness to comply. I strongly believe that this is one of the roles of art, particularly contemporary art, and it’s the type of art I would pursue. In today’s complex world, mere disobedience in the simple sense is probably not enough. However, I believe that an artist should strive to maintain a clear understanding of what they believe is right for our world. Even though some of those ideals are being worn down, I think it’s important to keep working with them in mind. The idea of disobedience, which implies a critical view of the world around us, is a vital element of contemporary art.

The nature of a political act inevitably changes when it enters a museum or university. How can we ensure that the memory of disobedience does not become merely a representation? In other words, is there a risk that the protest will be absorbed by the cultural system to the point of losing its power?

Yes, of course. It’s true that any challenging concept entering a museum or university is absorbed by constraints that diminish the works’ intended message, thereby losing its power. But that applies to everything. I don’t see much difference in the loss of power of an artwork in a museum, an exhibition, a university, an election room, or a theater performance. All these environments absorb a portion of the artist’s intentionality in their own way. This is part of the interpretation process. The opposite situation can also apply: the university or museum can protect the artist by displaying the work to the public, which might not be allowed in the streets. So, you know, it’s a complex relationship between an artwork and the space in which it’s presented, the public to which it’s presented, and when it’s presented. We shouldn’t simply assume that universities and museums wear down works of art. There are instances where universities allow works of art to exist, and perhaps they wouldn’t be shown anywhere else. Having said that, yes, of course, those are the dangers that arise in art, and we can’t avoid the fact that contemporary art moves within a specific circuit, which affects the work’s ability to communicate. It is up to the artist to negotiate this and think of it as a constructive part of the creative process, the transmission of meaning, and the power of the work. That’s one approach. Another approach would be to acknowledge that contemporary art does not change the world. It doesn’t have the power to change the world. Its role is more to register and comment on the world at a particular time. Of course, it can help and add to the discourse, but not in itself. It is not an agent capable of changing the world. I believe this is a question often posed to artists like myself, and this is the honest answer I can give.

“Disobedience Archive”: la mostra di Marco Scotini arriva all’Università Cattolica di Lisbona. 

Di seguito un’intervista all’artista Ângela Ferreira, che ha collaborato al progetto. 

Che cosa significa oggi costruire un archivio della disobbedienza? E in che modo l’arte può trasformarsi in uno strumento di memoria, azione politica e partecipazione collettiva? Sono queste le domande al centro di “Disobedience Archive”, il progetto ideato nel 2005 dal curatore e teorico Marco Scotini, che approda alla Amélia de Mello Foundation Gallery della Universidade Católica Portuguesa di Lisbona con una nuova configurazione sviluppata in dialogo con l’artista portoghese Ângela Ferreira.

Nato come archivio audiovisivo dedicato alle relazioni tra pratiche artistiche e movimenti politici, nel corso di vent’anni “Disobidience Archive” si è evoluto in una piattaforma internazionale di ricerca che raccoglie oltre cento film, documenti e opere provenienti da contesti geografici e culturali differenti. Ogni sua presentazione non costituisce una semplice riproposizione del materiale esistente, ma una nuova lettura critica che mette in relazione episodi di resistenza, disobbedienza civile e trasformazione sociale.

L’edizione di Lisbona (The Agitational Billboard) presenta una selezione di diciotto film organizzati in due nuclei tematici, Gender Disobedience e Insurgent Communities e Colonialism, proponendo una riflessione sulla pluralità delle storie che hanno attraversato le lotte per l’emancipazione. Attraverso una struttura non lineare, l’archivio invita il pubblico a costruire autonomamente il proprio percorso interpretativo, rifiutando una visione gerarchica della storia in favore della coesistenza di prospettive, temporalità e narrazioni differenti. A dare forma a questo nuovo capitolo è Ângela Ferreira, tra le figure più autorevoli dell’arte contemporanea portoghese. Da oltre tre decenni la sua ricerca indaga le eredità del colonialismo, i processi di decolonizzazione, la memoria dell’architettura modernista e la circolazione internazionale delle idee politiche. Le sue opere intrecciano scultura, installazione, ricerca storica e documentazione, mettendo in discussione le narrazioni ufficiali e riportando alla luce vicende spesso marginalizzate. Per questa edizione, Ferreira interviene sull’organizzazione spaziale e visiva della mostra ispirandosi alla tradizione dei cartelloni agit-prop, storicamente utilizzati dai movimenti politici come strumenti di informazione, mobilitazione ed educazione collettiva. Trasformato in dispositivo espositivo, questo elemento diventa al tempo stesso architettura e simbolo: un supporto attraverso cui far emergere contro-narrazioni, voci dissidenti e nuove possibilità di lettura del presente.

In occasione dell’apertura della mostra, ho rivolto qualche domanda a Ângela Ferreira per approfondire il suo intervento nel contest della mostra e riflettere sul ruolo che l’arte può ancora assumere nel costruire una memoria critica delle lotte politiche contemporanee.

In questa edizione, ti sei occupata dell’organizzazione spaziale e visiva dell’archivio. Come prende forma il concetto di disobbedienza nell’ambiente espositivo?

Il concetto di disobbedienza si manifesta nelle scelte che riguardano l’organizzazione dei film e le  forme tridimensionali che assumono nello spazio. Queste si ispirano a una straordinaria serie di strutture di agitazione e propaganda progettate dall’artista costruttivista russo-lettone Gustav Klutsis (1895-1938), create tra il 1917 e il 1922. Ammiro molto il suo lavoro, che consisteva nel trovare modi per diffondere e condividere informazioni con il pubblico utilizzando forme scultoree innovative. Creava grandi torri che offrivano l’opportunità di proiettare film, esibire poster, allestire stand per relatori ed esporre riviste. In questo caso, faccio riferimento a una struttura molto grande che includeva un suo disegno originale. Sarebbe stata almeno il doppio di quella che abbiamo realizzato per la mostra di Lisbona e nella versione originale non conteneva film, ma serviva per esporre poster e pagine di giornale. Ho adattato quell’idea realizzando una soluzione più archivistica, con una struttura di dimensioni ridotte. In questa edizione della mostra ogni schermo è situato ad altezza di una persona seduta, in modo che ciascun spettatore possa guardare schermi diversi. L’idea di disobbedienza risale a Klutsis, ai costruttivisti e all’incredibile modo in cui cercarono di sviluppare forme tridimensionali originali, pur mantenendo le qualità di quella che all’epoca era considerata arte d’avanguardia. Come artista, mi preoccupa combinare il significato politico con un’arte contemporanea provocatoria. Cerco di sviluppare una pratica che non si limiti a diffondere idee politiche in modo propagandistico, ma che unisca una comunicazione efficace alla tradizione dell’arte contemporanea e al significato politico. La disobbedienza è insita in quest’idea.

Il progetto trae ispirazione dai cartelloni pubblicitari di protesta. Cosa ti interessa di questa forma di comunicazione? E che ruolo riveste nel contesto della mostra?

Lo stesso Klutsis parlava di “cartelloni pubblicitari di protesta”, e ognuno dei film contenuti nell’incredibile archivio di Scotini tratta, ovviamente, di disobbedienza. Ognuno di essi ritrae un momento, in qualche parte del mondo, in cui le persone hanno ritenuto opportuno documentare o esprimersi in merito al concetto di disobbedienza. Presentare informazioni politiche per le strade, come faceva Klutsis, è una forma di disobbedienza. Il cartellone pubblicitario di protesta era una forma di educazione e condivisione di informazioni che si manifestava agli albori dell’Unione Sovietica ed è un concetto si sposa con l’idea di archivio di Scotini, perché ogni informazione rappresenta un momento di protesta, attuata sia provocando l’esperienza di osservare quei momenti, sia suscitando un senso di disobbedienza nel pubblico che guarda i film.

In un’epoca segnata da guerre, crisi democratiche ed emergenti meccanismi di controllo, quale forma di disobbedienza ritieni sia più urgente che l’arte pratichi oggi?

Credo che l’idea di disobbedienza riguardi il rifiuto deliberato di seguire regole o istruzioni. Generalmente si riferisce alla mancanza di conformità a ciò che si ritiene ingiusto o scorretto, o che non è in linea con i propri ideali di vita. Una delle cose che trovo più sorprendenti nella scelta della parola “disobbedienza” in questo progetto è che il concetto di disobbedienza emerge molto presto nella vita. Spesso si dice di un bambino o un cane che siano disobbedienti. È un aspetto profondo che fa parte della natura umana. Tuttavia, la tendenza umana è semplicemente quella di analizzare le strutture imposte e, quasi intuitivamente, rifiutare quelle regole, come farebbe un bambino. Credo che questo sia il fattore più importante nel rapporto tra il concetto e l’arte. L’arte è una forma di comunicazione, espressione e documentazione del pensiero dell’uomo, che dimostra il nostro disaccordo e la nostra riluttanza a conformarci. Credo fermamente che questo sia uno dei ruoli dell’arte, in particolare dell’arte contemporanea, ed è il tipo di arte che vorrei perseguire. Nel complesso mondo odierno, la semplice disobbedienza, intesa nel suo senso più puro, probabilmente non è sufficiente. Tuttavia, credo che un artista debba sforzarsi di mantenere una chiara comprensione di ciò che ritiene giusto per il nostro mondo. Anche se alcuni di questi ideali si stanno erodendo, penso sia importante continuare a tenerli presenti nel proprio lavoro. L’idea di disobbedienza, che implica una visione critica del mondo che ci circonda, è un elemento vitale dell’arte contemporanea.

La natura di un atto politico cambia inevitabilmente quando entra in un museo o in un’università. Come garantire che la memoria della disobbedienza non diventi mera rappresentazione? Esiste, in altre parole, il rischio che la protesta venga assorbita dal sistema culturale fino a perdere la sua forza?

Sì, naturalmente. È vero che qualsiasi concetto stimolante quando entra in un museo o in un’università viene assorbito da vincoli che sminuiscono il messaggio sottinteso dalle opere, perdendo così il suo potere. Ma questo vale per tutto. Non vedo molta differenza nella perdita di potere di un’opera d’arte in un museo, in una mostra, in un’università, in una sala elettorale o in uno spettacolo teatrale. Tutti questi ambienti assorbono a modo loro una porzione dell’intenzionalità dell’artista. Questo fa parte del processo di interpretazione. Può verificarsi anche la situazione opposta: l’università o il museo possono proteggere l’artista esponendo l’opera al pubblico, mentre potrebbe non essere consentito per le strade. Insomma, è una relazione complessa quella tra un’opera d’arte e lo spazio in cui viene presentata, il pubblico a cui è rivolta e il momento in cui viene presentata. Non dovremmo dare per scontato che università e musei deteriorino le opere d’arte. Ci sono casi in cui le università permettono l’esistenza di opere che forse non verrebbero esposte altrove. Detto ciò, sì, certo, questi sono i pericoli che si presentano nell’arte e non possiamo ignorare il fatto che l’arte contemporanea si muova all’interno di un circuito specifico, che influenza la capacità dell’opera di comunicare. Sta all’artista negoziare questo aspetto e considerarlo una parte costruttiva del processo creativo, della trasmissione di significato e del potere del suo lavoro. Questo è un approccio. Un altro approccio sarebbe quello di riconoscere che l’arte contemporanea non cambia il mondo. Non ha il potere di cambiare il mondo. Il suo ruolo è piuttosto quello di registrare e commentare il mondo, in un dato momento. Certo, può contribuire al dibattito, ma non è un agente capace di cambiare il mondo. Credo che questa sia una domanda che viene spesso posta ad artisti come me. E questa è la risposta sincera che posso dare.

Cover story: Marco Scotini and Ângela Ferreira on the occasion of the opening of the Disobedience Archive (The Agitational Billboard) exhibition at Amélia de Mello Foundation Gallery, Universidade Católica Portuguesa, Lisbon